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DETRAS DE CAMARA
Si algo necesitan las películas para tener éxito en la taquilla es crear expectación antes de su estreno; o en su defecto irla creando poco a poco. En este caso, el film (una versión de la película japonesa, Ringu) ya traía la primera y además, se ha fabricado la segunda. Solo así se entiende que lleve más de 7 semanas en nuestras carteleras manteniéndose entre las 10 películas más taquilleras.

Y este éxito lo ha conseguido porque es una interesante película de género. En este sentido, no utiliza en exceso los recursos del cine de terror actual aunque, por ejemplo, cede alguna vez a la inevitable inyección del llamado “sustorround” (ese artificial efecto sonoro subido de volumen en ese puñetero momento...).

Pero lejos de cebarse en esas técnicas (esto no es una película de gritos y sustos adolescentes) experimenta en el apartado de la “ingeniería de las imágenes”. Ya era hora de encontrar algún director que investigara con imágenes que de verdad produzcan inquietud al espectador, que perturben y tengan efecto en la visión de la película y permanezcan un buen ratillo (o durante mucho tiempo...) en la impactada memoria del público. Y no me refiero a ese maquillaje ensangrentado de un cerebro reventado, sino a jugar con la percepción del espectador: por ejemplo lo subliminal, la manipulación psicológica con diferentes trucos...

Y eso es lo que más sorprende de este experimento; eso y unos cuantos conceptos llevados con habilidad: ¿de donde proviene el mal?, el juego de la advertencia y su inseparable tentación de romperla, un plazo de tiempo límite...

Por ello y dejando los puntos flojos de la película (sobre todo acerca del guión) nos centraremos en comentar algunas ideas que establecieron cómo construir la estética y la narración de esta interesante cinta...


Sobre el equipo técnico

GORE VERBINSKI hizo su debut como realizador en la comedia Un ratoncito duro de roer. Luego rodó la comedia romántica de aventuras The Mexican. Antes de pasarse al campo del largometraje, era un cotizado director publicitario; rodó el anuncio de Nike con Michael Jordan y el popular spot de las ranas para Budweiser. También escribió y dirigió un estremecedor corto (según los afortunados que lo vieron) titulado The Ritual, que se está convirtiendo en la pieza más buscada por Internet...

BOJAN BAZELLI ha trabajado en el campo de la publicidad y el video clip, donde se ha labrado una prestigioso caché; recientemente se ha introducido en el cine, con largometrajes como Kalifornia (que le valió el premio a la mejor fotografía en el festival de Montreal). Con Verbinski ha trabajado en spots para Coca Cola, Xerox, Intel, etc. También ha fotografiado cientos de video clips para directores como Barry Sonnenfeld, Tony Scott etc. para artistas como Michael Jackson, María Carey o Stevie Wonder.

HANS ZIMMER recibió su séptima nominación para el Oscar por Gladiator. Las anteriores fueron por El rey león (con la que ganó la estatuilla), El príncipe de Egipto, La delgada línea roja, Mejor imposible, Rain Man y La mujer del predicador. Zimmer dirige la división de música de cine de Dream Works; es la primera vez que un compositor dirige el departamento musical de un gran estudio desde los días de Dimitri Tiomkin en la Metro y de Alfred Newman en la Fox.

TOM DUFFIELD ha trabajado durante quince años en labores de escenografía bajo el mando del director artístico Bo Welch en títulos como Wild Wild West, Men in Black, Una jaula de grillos, Wolf, Eduardo Manostijeras, Joe contra el volcán, Los cazafantasmas 2, Bitelchús etc. La primera película en la que ocupó el cargo de director artístico fue Ed Wood, de Tim Burton y trabajar con este genio lo dice todo.


¿SABÍAS QUÉ?

- Se emplean técnicas subliminales a lo largo de toda la película. Por ejemplo, en la transición entre la escena del ferry de los caballos y la secuencia en la que Rachel conduce hacia la granja de Anna Morgan. Allí se puede vislumbrar una imagen de ‘Ring’ durante una fracción de segundo.
- Sutiles motivos visuales de carácter anillado aparecen en diferentes objetos y composiciones a lo largo de la película, para traer a la mente el enigmático título de la misma.
- La estética de muchas de las imágenes de la película (especialmente las secuencias de la cinta de vídeo) tienen un marcado carácter pictórico, concretamente de los pintores surrealistas (de Chirico, Magritte...).
- Las propias sombras proyectadas de los actores fueron voluntariamente suprimidas de la película para perturbar de manera inconsciente la percepción de las imágenes.
- El resto de vídeos VHS que rodean a la cinta en la cabaña de Shelter Mountain son: Shattered (1991), Scent of a Woman (1992), Spontaneous Combustion (1989), Yor, the Hunter from the Future (1982), Sodom and Gomorrah (1962), The Looking Glass War (1969), Visions of a New World (1995), Family Plot (1976), Steel Magnolias (1989), Man from Snowy River, The (1982) y School Ties (1992).
- Hay algunas referencias visuales a los films de Alfred Hitchcock, Rear window (1654), Psycho (1960) y Family Plot (1976). Curiosamente, Hitch rodó en 1927 una película llamada The Ring; pero eso es otra historia...
- Algunas escenas fueron, al parecer, rodadas de nuevo o bien suprimidas debido a la mala reacción del público en los “test screenings”; como por ejemplo:
o El suicidio del cuarto de baño era mucho más gráfico.
o El asesinato de Samara era mucho más brutal en la primer montaje... En él se incluía una contundente agresión con una roca del paisaje, golpes y bofetadas por parte del agresor, la bolsa de plástico en su cabeza y después el pozo.
o Había una escena en la que Noah vuelve a la cabaña de Shelter Mountain mediante una canoa; en ella descubre el cadáver del dueño del complejo de cabañas, que vio la cinta pero no hizo una... Por eso mismo se puede leer un letrero que dice que la instalación permanecerá cerrada hasta más noticias.
- El supervisor de efectos, Charles Gibson, comentó en una entrevista que se introdujo en un primer montaje, diversos planos de la cinta maléfica desde el punto de vista de dentro del magnetoscopio VHS, pero fueron quitadas de la versión final. No obstante alguno de estos planos se pueden observar en alguna versión del trailer.
- La frase de Samara “Todo el mundo sufrirá”, fue quitada del montaje final, pero puede oírse en diversos materiales teaser y trailers.
- El actor Chris Cooper tenía un pequeño papel de asesino. Aunque sus escenas al parecer, fueron filmadas, en el montaje final se ha suprimido su papel. No obstante se puede ver su cara en la fotografía del periódico que Noah, en su apartamento, deja ver cuando quita una taza de café.


RESEÑA FÍLMICA sobre la producción

Los productores Laurie MacDonald y Walter F. Parkes, han dicho de ella: "una virtud de la película es esa mezcla de una historia juvenil y un argumento con un concepto fuerte que se revela de una forma sorprendente, un enigma más evocativo y con mayor base emocional de lo que suele ser habitual en el género".

"Una de las cosas que me gustaron desde un principio de este proyecto fue el título. Dentro del contexto de la historia puede tener una diferente serie de significados: el "ring" del teléfono, la ominosa imagen de un anillo de luz similar a un eclipse... o quizás por la forma circular de un argumento que acaba volviendo al principio".

El director, Gore Verbinski resalta: "La premisa de The Ring es que si ves el contenido de esa cinta, recibes una llamada de teléfono que te avisa que vas a morir a los siete días. No es sólo que vayas a morir, es que sabes que vas a morir... La desesperación crece según te vas acercando al final. Ese es un tipo de terror muy especial”.

"La cinta tenía que cumplir dos funciones: debía ofrecer la clave sobre su origen y debía hacer que se entendiera por qué había sido creada. La primera vez que se ve parece tener un contenido abstracto, pero según avanza la acción se debe comprender que esas imágenes están ahí por alguna razón. Además el video debía ser algo extraño, algo que te produjera un choque aun sin entender bien el motivo. Eso es difícil de conseguir. Empecé utilizando algunas de las imágenes de la versión original japonesa, porque cuando se rehace una película siempre se intentan conservar los mejores momentos de la misma. Y luego me inspiré en cosas que me asustan a mí personalmente y las añadí de forma que resultasen lo más intensas posible pero que también tuvieran sentido desde la perspectiva de la persona que ha creado esa cinta de video".

"Soy muy aficionado al cine de terror. Pero hay películas de miedo que simplemente te asustan y otras que tienen un funcionamiento más subversivo: éstas últimas ponen en marcha un peculiar tipo de manipulación psicológica de la que el espectador no es plenamente consciente. Cuando una película de este tipo funciona, produce un poderoso efecto residual: se quedan más tiempo en tu mente porque se te han metido dentro de la piel. Casi todas las películas de terror parten de una premisa muy sencilla, y la nuestra no es una excepción. Es la ejecución, la forma de desarrollarse, lo que hace que una película trascienda el género. Esos son los títulos que me inspiran porque son los que más miedo me producen.”

“El viaje comienza con una cinta que trae consigo una advertencia. Es esa advertencia lo que despierta nuestro interés. Un tabú siempre va acompañado de una tentación... es algo que forma parte de la propia naturaleza humana: adentrarse en lo prohibido.”

El rodaje de The Ring se vio favorecido por el invierno del Pacífico Noroeste que proporcionó un clima frío que enriqueció la tenebrosa textura de la película. La ausencia de sol también se adecuaba perfectamente al esquema de luz suave y sin sombras que el director y el director de fotografía habían diseñado para complementar los momentos más surrealistas del argumento.

Dice Bazelli: "A la hora de iluminar a los actores y los escenarios, tratamos de eliminar todas las sombras que producían los actores. El efecto que buscábamos era el de alterar de forma inconsciente la percepción del espectador y producir un mayor grado de ambigüedad".

El clima frío y húmedo se adecuaba a la historia pero complicó el trabajo del director artístico Tom Duffield: "Para diseñar la paleta de colores de The Ring nos inspiramos fuertemente en la obra de un pintor de Nueva Inglaterra, Andrew Wyeth. En sus cuadros los árboles están dormidos; los tonos son de tierra, grises y marrones, colores sombríos; hay tejidos rasgados en las ventanas... El suyo es un mundo hechizado".

La principal excepción al esquema de tonos apagados de la película, es el colorido arce japonés que aparece en la cinta de video y que cumple la función de referencia visual en el desarrollo de la acción. Dice Duffield: “El arce es un punto clave de la película. Sirve para unificar una serie de diferentes elementos: todo parece acabar remitiendo a ese árbol”. El árbol era artificial, lo construyó el equipo de la película con tubos de acero, escayola y seda pintada para las hojas. Fue uno de los homenajes al origen japonés de la historia.




 
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